Στον πίνακα "Αγόρι με σωλήνα" του Πάμπλο Πικάσο
Το "Boy with a Pipe" (π. Gar; on; la Pipe) είναι ένας πίνακας ζωγραφισμένος σε έναν ξενώνα το 1905 στο Bateau Lavoir της Μονμάρτρης από τον 24χρονο καλλιτέχνη Πάμπλο Πικάσο. Για τον Πικάσο, αυτή η περίοδος είναι νωρίς, προ-κυβιστής και, παρεμπιπτόντως, η πιο πολύτιμη. Ο καμβάς ανήκει στην κατηγορία των εικονικών έργων ζωγραφικής, σπάνια για κάθε κύριο: σηματοδότησε τη μετάβαση του καλλιτέχνη από την «μπλε» περίοδο στην «ροζ».
Ο πιο ακριβός πίνακας στον κόσμο ;! Ναι, εκτός από το ότι μπήκε στους 10 πιο ακριβούς πίνακες στον κόσμο - πήρε την τρίτη θέση. Το 2004, σε δημοπρασία του Sotheby, ένας άγνωστος αγοραστής αγόρασε το “Boy with a Pipe” του Pablo Picasso (Garson a la Pipe) (100, 81,3 cm) το 1905 για 104,168 εκατομμύρια δολάρια, αν και η αρχική τιμή δημοπρασίας ήταν 70,00 εκατομμύρια δολάρια. Το Whitney Family Foundation έχει θέσει σε δημοπρασία το Boy with a Pipe μαζί με 34 άλλους καμβάδες από τη συλλογή της. Οι πίνακες του Πικάσο από διαφορετικές περιόδους οδηγούν τώρα στην αγορά της τέχνης, σπάζοντας όλα τα πιθανά ρεκόρ τιμών.
Είναι ενδιαφέρον ότι ο Πικάσο θεωρείται ένας από τους πιο «παραγωγικούς» καλλιτέχνες: αρκετές χιλιάδες έργα του εμπλέκονται στον κύκλο εργασιών της αγοράς. Αλλά ο μαζικός χαρακτήρας παρέχεται κυρίως από τα τέλη του, τα οποία είναι αρκετά φορές φθηνότερα. Μερικές φορές κάποιος παίρνει την αίσθηση ότι ο συγγραφέας των έργων ζωγραφικής των «μπλε» ή «ροζ» περιόδων στα τέλη του αιώνα, ο κυβιστής Πικάσο και ο γηράσκων κύριος της τέχνης του 20ου αιώνα, όπως έγινε μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, είναι τρεις διαφορετικοί άνθρωποι, τρεις διαφορετικοί καλλιτέχνες.
Έχει προταθεί ότι ο αγοραστής του αγοριού με το σωλήνα ήταν Ρώσος. Εάν ναι, το όνομα μπορεί να μαντέψει μόνο, αλλά το ενδιαφέρον των αγοραστών από τη χώρα μας για τα έργα του Πικάσο είναι προφανές - για παράδειγμα, στις 3 Μαΐου 2006, ένας Ρώσος αγόρασε έναν πίνακα από τον Πικάσο "Dora Maar with a Cat" στη δημοπρασία της Sotheby's στη Νέα Υόρκη για 95 εκατομμύρια δολάρια και αν κάναμε βαθμολογία με τα πιο ακριβά έργα, τότε αυτό το αποτέλεσμα θα έπαιρνε με βεβαιότητα τη δεύτερη θέση σε αυτό.
Τι είναι γνωστό για το The Boy with the Pipe; Το έργο θεωρείται σε κάποιο βαθμό ως λεκάνη απορροής για τον Πικάσο. Μετά από μια χαρούμενη σειρά από ακροβάτες, χορευτές και αρλεκίνες, ζωγράφισε απροσδόκητα ένα καθαρό και απλό, κάπως λυπηρό πορτρέτο μιας παριζιάνικης νεολαίας. Σύμφωνα με ορισμένες αναφορές, ο νεαρός που απεικονίστηκε ονομάστηκε "Baby Louis". Ήταν ηθοποιός ή άνεργος, παρακολουθούσε συχνά το έργο του πλοιάρχου και συνδέονταν με φιλικές σχέσεις.
Οι συνθήκες του πίνακα είναι επίσης γνωστές. Για περίπου ένα μήνα παρέμεινε ημιτελής, αλλά ένα βράδυ ο Πικάσο επέστρεψε στο στούντιο του στη Μονμάρτρη, έβγαλε έναν πίνακα, το συμπλήρωσε με ροζ φόντο (ροζ ταπετσαρία με μπουκέτα) και στέφθηκε το κεφάλι του αγοριού με ένα στεφάνι από τριαντάφυλλα. Μια απροσδόκητη έκρηξη έμπνευσης από τον καλλιτέχνη έδωσε στον κόσμο ένα άλλο αριστούργημα. Επειδή πριν συμπληρωθεί με ροζ τόνο, η εικόνα φαινόταν αραιά, το απλό, μη ελκυστικό πρόσωπο ενός αγοριού, το οποίο μπορούσε να δει σε πολλούς από τους πίνακες του καλλιτέχνη - λίγο κεκλιμένο, με στενούς ώμους και μεγάλα αυτιά.
Οι εικόνες αποτελούν εδώ και καιρό αντικείμενο επιθυμίας των ισχυρών. Το να έχεις ένα άφθαρτο αριστούργημα σε ένα παλάτι θεωρήθηκε διάσημο ακόμη και ανάμεσα σε μονάρχες. Για τους επιχειρηματίες, ωστόσο, αυτό το προνόμιο θεωρήθηκε ένα πέρασμα στην υψηλή κοινωνία.
Οι βιομηχανικοί μας - Shchukin, Morozov, Tretyakov - είχαν μια ιδιαίτερη γεύση και ταλέντο για ταλέντα. Και σήμερα Ρώσοι επιχειρηματίες προσπαθούν να αναβιώσουν τις παραδόσεις. Έχουν από καιρό γίνει τακτικοί στα Christie's και Sotheby's. Χάρη στις προσπάθειές τους, πολλά αριστουργήματα Ρώσων καλλιτεχνών επέστρεψαν στην πατρίδα τους.
Ωστόσο, πρέπει να παραδεχτούμε ότι απέχουν ακόμη από τους Δυτικούς ομολόγους τους. Νιώθουν σαν στο σπίτι τους στην αγορά τέχνης και είναι δύσκολο να ανταγωνιστείς μαζί τους. Ξέρουν ήδη τι και πότε να αγοράσουν, επειδή το να είσαι ο ιδιοκτήτης των μεγάλων έργων ζωγραφικής δεν είναι μόνο κύρος, αλλά και κερδοφόρος - μπορούν πάντα να πωληθούν με κέρδος.
Οι τιμές βαφής αυξάνονται συνεχώς. Αλλά είναι αδύνατο να προβλεφθεί η πιθανή επιτυχία αυτής ή αυτής της εικόνας. Τις περισσότερες φορές, η τιμή ρεκόρ δεν μιλά για την ικανότητα του καλλιτέχνη, αλλά μόνο για μια καθιερωμένη συγκυρία. Απόδειξη αυτού είναι η βαθμολογία των πιο ακριβών έργων ζωγραφικής στον κόσμο.
Σήμερα διευθύνεται από τον καμβά του Πάμπλο Πικάσο "Boy with a Pipe". Το 2004, πωλήθηκε στο Sotheby's για 104 εκατομμύρια 168 χιλιάδες δολάρια. Ο Πικάσο ζωγράφισε το αγόρι το 1905. Ο πίνακας τον είδε ο Paul Mendelssohn-Bartholdy, ένας Γερμανός βιομηχανικός, γιος του συνθέτη. Το 1910 αγόρασε τον πίνακα. Και το 1950, το πορτρέτο πέρασε στα χέρια του τότε πρέσβη των ΗΠΑ στην Αγγλία, Τζον Γουίτνεϊ, έναντι 30.000 δολαρίων. Από τότε, η τιμή έχει αυξηθεί πολλές φορές.
Στη λίστα των δέκα πιο ακριβών έργων στον κόσμο, υπάρχουν τρεις ακόμη πίνακες του Πικάσο: "Γυναίκα με όπλα σταυρωμένα" (7η θέση, 55 εκατομμύρια δολάρια), "Γυναίκα που κάθεται σε έναν κήπο" (9η θέση, 49,5 εκατομμύρια δολάρια) και Ο γάμος του Pierrette (10η θέση, 49,2 εκατομμύρια).
Πριν από το θρίαμβο του The Boy with the Pipe, το πορτραίτο του Δρ. Gachet του Vincent Van Gogh θεωρήθηκε το πιο ακριβό έργο στον κόσμο για μεγάλο χρονικό διάστημα. Ο καλλιτέχνης το ζωγράφισε λίγο πριν από το θάνατό του. Όπως γνωρίζετε, κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο καλλιτέχνης δεν κατάφερε να πουλήσει καμία από τις δημιουργίες του και τα περισσότερα από τα έργα του Βαν Γκογκ κληρονόμησαν από τον αδερφό του. Το 1896, ο πίνακας πωλήθηκε και για κάποιο διάστημα περιπλανήθηκε σε διάφορες συλλογές. Το 1990 δημοπρατήθηκε στο Christie's για 82,5 εκατομμύρια δολάρια. Αγοράστηκε από έναν Ιάπωνα επιχειρηματία, αλλά σύντομα τα πράγματα πήγαν άσχημα και ο πίνακας εξαφανίστηκε.
Το "Πορτρέτο του Δρ. Gachet" δεν είναι το μόνο έργο του Van Gogh στην κατάταξη. Στην πέμπτη γραμμή βρίσκεται το "Πορτρέτο ενός καλλιτέχνη χωρίς γενειάδα" αξίας 71,5 εκατομμυρίων δολαρίων. Και στην όγδοη θέση - το "Irises" του (53,9 εκατομμύρια δολάρια). Τα έργα του Vincent Van Gogh βρίσκονται πίσω από τα παρασκήνια ηγέτες στην αγορά τέχνης όσον αφορά την αξία και την ελκυστικότητα των επενδύσεων. Σχεδόν οποιοσδήποτε συμμετέχων στην αγορά τέχνης - τόσο συλλέκτης όσο και επενδυτής - θα έδινε πολλά για την αγορά ενός ζωγραφικού έργου από τον μεγάλο ζωγράφο. Και αυτό δεν προκαλεί έκπληξη, διότι ο Van Gogh είναι ένας από τους λίγους καλλιτέχνες των οποίων οι πίνακες αυξάνονται γρήγορα. Πιστεύεται ότι η ζωγραφική από τον Van Gogh είναι ένα από τα πιο κερδοφόρα αντικείμενα της επένδυσης.
Ο τρίτος πιο ακριβός πίνακας στον κόσμο είναι το "Ball at the Moulin de la Galette" του Pierre Auguste Renoir. Ο Σουλτάνος \u200b\u200bτου Μπρουνέι διέθεσε 78,1 εκατομμύρια δολάρια γι 'αυτήν.
Ο πίνακας του Rubens "The Beating of Babies" (76,7 εκατομμύρια) είναι μόλις μερικές εκατοντάδες χιλιάδες πίσω από το Renoir. Οι παλιοί δάσκαλοι γενικά υστερούν πίσω από τις ιδιοφυΐες του περασμένου αιώνα. Η υψηλή τιμή του αριστουργήματος του Rubens εξηγείται από το γεγονός ότι ανακαλύφθηκε πρόσφατα.
Ο τελευταίος στους δέκα πιο ακριβούς πίνακες στον κόσμο είναι το "Still Life with Drapery and a Jug" του Paul Cézanne. Αυτός ο πίνακας είναι μέρος μιας σειράς έξι ακίνητων ζωών, καθεμία από τις οποίες απεικονίζει τα ίδια αντικείμενα. Μία από αυτές τις νεκρές φύσεις βρίσκεται στο Ερμιτάζ μας.
Ο ρυθμός αύξησης των τιμών για τη ζωγραφική παγκόσμιας κλάσης συχνά ξεπερνά το ρυθμό αύξησης των τιμών για ακίνητα και άλλους επενδυτικούς στόχους υψηλής απόδοσης. Δεν είναι τυχαίο ότι τα αριστουργήματα των αναγνωρισμένων πλοιάρχων, που τίθενται σε δημοπρασία, παραμένουν το αντικείμενο της ιδιαίτερης προσοχής και της πάλης των τιμών μεταξύ των συλλεκτών και των επενδυτών.
Εκτός από εκείνους που είναι στους δέκα πιο ακριβούς, αρκετοί άλλοι καλλιτέχνες θεωρούνται οι πιο ελκυστικοί, συμπεριλαμβανομένου του πλοιάρχου της pop art Andy Warhol. Η αρχική τιμή της ζωγραφικής του "Orange Marilyn" στο Sotheby's ήταν 6 εκατομμύρια δολάρια. Ωστόσο, πωλήθηκε σε έναν άγνωστο αγοραστή για 17 εκατομμύρια.
Οι τιμές για τα έργα ζωγραφικής του Warhol παρουσίασαν πρόσφατα αύξηση 12-17 τοις εκατό ετησίως. Ωστόσο, σε μερικά χρόνια υπήρξε μείωση 20% των τιμών για το έργο του πλοιάρχου. Αυτό επιβεβαιώνει τις απόψεις ορισμένων εμπειρογνωμόνων, οι οποίοι αναγνωρίζουν ότι η επένδυση στα έργα του Βασιλιά της Pop Art είναι επικίνδυνη βραχυπρόθεσμα.
Το όνομα του Max Beckmann είναι πολύ λιγότερο γνωστό στο ευρύ κοινό, αλλά, σύμφωνα με τους κριτικούς, τα έργα αυτού του εξαιρετικού εκπροσώπου του γερμανικού κλασικού μοντερνιστικού στιλ του εικοστού αιώνα σήμερα είναι αρκετά ελκυστικό επενδυτικό αντικείμενο. Ένα από τα πιο διάσημα έργα του πλοιάρχου ήταν "Αυτοπροσωπογραφία με κέρατο", που δημιουργήθηκε το 1938, ένα χρόνο μετά την αποδημία του στις Ηνωμένες Πολιτείες. Πωλήθηκε στο Sotheby's για 22,5 εκατομμύρια δολάρια, ένα ρεκόρ για έναν Γερμανό καλλιτέχνη. Οι αναλυτές αναμένουν μια σταθερή αύξηση των τιμών για τους πίνακες του πλοιάρχου στο επίπεδο τουλάχιστον 10 τοις εκατό ετησίως.
Ο πίνακας "Outskirts of Krum" του αυστριακού εξπρεσιονιστή Egon Schiele δημοπρατήθηκε στο Λονδίνο για 21 εκατομμύρια δολάρια. Τιμές εργασίας
Ο Ε. Schiele μερικές φορές ανεβαίνει απότομα και μετά πέφτει απότομα. Αυξήθηκαν 453 τοις εκατό το 2000, μειώθηκαν 250 τοις εκατό το 2002 και αυξήθηκαν 2.100 τοις εκατό ένα χρόνο αργότερα.
Ένας από τους διασημότερους Ιταλούς γλύπτες και ζωγράφους Amedeo Modigliani, κατά τη διάρκεια της ζωής του, μόλις έφτασε στα άκρα. Σήμερα, οι επενδύσεις στα έργα της Modigliani διακρίνονται από την υψηλή κερδοφορία και τη σταθερότητα. Οι τιμές τους αυξάνονται συνεχώς. Η ετήσια αύξηση της αγοραίας αξίας μπορεί να φτάσει το 20-50 τοις εκατό.
Οι τιμές για τα έργα της Claude Monet είναι ακόμη υψηλότερες από αυτές των έργων της Cézanne. Επιπλέον, το έργο του Monet είναι πιο δημοφιλές στους συλλέκτες και η επένδυση σε καμβά αυτού του πλοιάρχου είναι πιο κερδοφόρα από ό, τι στο έργο των περισσότερων άλλων ιμπρεσιονιστών.
Ο πιο ακριβός πίνακας που πωλήθηκε ποτέ στο έδαφος της χώρας μας έχει αναπληρώσει το Ταμείο του Κρατικού Μουσείου. Αυτή είναι η τέταρτη ("Samara") έκδοση της "Μαύρης Πλατείας" του Kazimir Malevich. Σύμφωνα με ορισμένες αναφορές, ένα εκατομμύριο δολάρια πληρώθηκαν για αυτό.
Λοιπόν, σε γενικές γραμμές, η πιο ακριβή ρωσική ζωγραφική ήταν η Still Life with Flowers της Ilya Mashkov, η οποία πωλήθηκε στη δημοπρασία του London Sotheby για 3,6 εκατομμύρια δολάρια.
Υποτίθεται ότι ο πίνακας ζωγραφίστηκε το 1912. Οι πλειστηριαστές πίστευαν ότι ο πίνακας θα πουλήθηκε για 350-500 χιλιάδες δολάρια, αλλά η υποβολή προσφορών ήταν μακρά και επίμονη, με αποτέλεσμα το κόστος της ζωγραφικής να αυξάνεται επτά φορές. Τα προηγούμενα ρεκόρ των «ρωσικών» συναλλαγών δημιουργήθηκαν το 2004 από τον «καθεδρικό ναό του Αγίου Ισαάκ σε μια παγωμένη ημέρα» του Ivan Aivazovsky (2,125 εκατομμύρια δολάρια) και το «Judgment of Paris» του Konstantin Makovsky (2 εκατομμύρια δολάρια).
Επάνω αριστερά: Πικάσο. 05.
Μια νέα εποχή στην παγκόσμια τέχνη χαρακτηρίστηκε από το έργο του Πάμπλο Πικάσο. Ο Γάλλος ισπανικής καταγωγής ξεπερνά τους προκατόχους του στην εκφραστικότητα της εικόνας, που επιτυγχάνεται από την ακραία ένταση των γραμμών και το άνευ προηγουμένου θάρρος στη μεταφορά φορμών για εκείνη την εποχή.
Ο Πάμπλο Πικάσο γεννήθηκε στη Μάλαγα, σπούδασε ζωγραφική στη Βαρκελώνη και στη συνέχεια στη Μαδρίτη στην Ακαδημία του Σαν Φερνάντο. Το ταλέντο του Pablo εκδηλώθηκε στην παιδική ηλικία. Ήδη στην ηλικία των 15, έγραψε με την ικανότητα και την εμπιστοσύνη ενός ώριμου πλοιάρχου. Ο νεαρός καλλιτέχνης ήρθε στο Παρίσι το 1901 - από την άποψη της ακαδημαϊκής τέχνης, ήταν ήδη καθιερωμένος πλοίαρχος: έγραψε αρκετά επαγγελματικά και άπταιστα στο σχέδιο. Η νέα γαλλική τέχνη συλλαμβάνει τον Πικάσο, απορροφά με ανυπομονησία διάφορες επιρροές. η προσοχή του προσελκύεται από τους Daumier και Degas, Van Gogh και Toulouse-Lautrec. Η δουλειά του Πικάσο, φωτεινή, έντονα γοητευτική και πρωτότυπη, κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου δεν στερείται αποχρώσεων απομίμησης. Ωστόσο, από το 1901, ο Πικάσο αναπτύσσει το δικό του στυλ, το οποίο χαρακτηρίζει τη λεγόμενη «μπλε περίοδο» στην τέχνη του. Ο καλλιτέχνης ζωγραφίζει αποκλειστικά σε κρύα, μπλε-μπλε χρώματα. Οι χαρακτήρες στους πίνακές του είναι ζητιάνοι, άρρωστοι ή άνθρωποι που πετιούνται από τη ζωή. Το κρύο χρώμα δίνει στα έργα είτε λυπημένο είτε τραγικό ήχο.
Το θέμα των μειονεκτουσών περνά στην επόμενη, τη λεγόμενη «ροζ περίοδο» του έργου του Πικάσο. Η θλίψη του έχει τώρα μια ελαφρύτερη, λυρική σκιά. Ο χρωματισμός των έργων βασίζεται σε συνδυασμό απαλών ροζ και μπλε αποχρώσεων. Ο καλλιτέχνης προσελκύεται από σκηνές από τη ζωή των πλανόδιων ερμηνευτών τσίρκου. Η ζωή τους περνά μπροστά από τον θεατή - σκληρό, φτωχό, αν και δεν στερείται ενός είδους ρομαντικής γοητείας. Ένας ιδιαίτερος ρόλος σε αυτούς τους πίνακες παίζει το θέμα της οικειότητας, της τρυφερής αγάπης ή της συντροφιάς.
Η κυριότητα του σχεδίου του μπορεί να κριθεί από την εξαιρετική μικρή γκουάς "Boy with a Dog", που βρίσκεται στη συλλογή του Ερμιτάζ, που χαρακτηρίζει τέλεια την τέχνη του Πικάσο της "ροζ περιόδου".
Μια ήσυχη και πιστή φιλία συνδέει ένα μικρό αγόρι και ένα σκυλί - έναν απλό μιγάς με ένα έξυπνο πρόσωπο, προσκολλημένος στο πόδι του μικρού αφεντικού του, ενώ κτυπά το κεφάλι της. Ο Πικάσο υπογραμμίζει τη λεπτότητα του αγοριού, παραβιάζοντας κάπως τις αναλογίες του σώματός του, αλλά αυτή η παραμόρφωση (η οποία δεν παρεμποδίζει, παρεμπιπτόντως, να δει το υπέροχο σχέδιο) τονίζει μόνο την εντύπωση που κάνει και ως εκ τούτου χρησιμεύει για να ενισχύσει την αλήθεια. Η εικόνα αγγίζει χωρίς συναισθηματικότητα, είναι βαθιά ανθρώπινη. Απεικονίζοντας ένα λεπτό, χλωμό, μεγάλο κεφάλι, πεινασμένο και ντυμένο με κουρέλια, ο καλλιτέχνης δεν ταπεινώνει την αξιοπρέπεια του, αλλά δίνει στην εικόνα του μια λεπτή ποίηση. Στο "Boy with a Dog" εκδηλώνεται ο υψηλός ανθρωπισμός του Πικάσο, που είναι το κύριο χαρακτηριστικό όλων των έργων του.
Ο πίνακας ζωγραφίστηκε το 1886 στην Ολλανδία. Για να καλύψει τις τεχνικές ελλείψεις της έλλειψης κατάλληλης εκπαίδευσης τέχνης, ο Βαν Γκογκ έπρεπε να σχεδιάσει σκελετούς και κρανία ξανά και ξανά. Οι κριτικοί της τέχνης εξηγούν την παρουσία ενός τσιγάρου από την προσπάθεια του καλλιτέχνη να εκφράσει τη διαφωνία του με τους αμετάβλητους κανόνες της Ακαδημίας Τεχνών, όπου σπούδασε για λιγότερο από ένα χρόνο. Το γεγονός είναι ότι η ακαδημία ήταν κατηγορηματικά ενάντια σε περιττές λεπτομέρειες σχετικά με τις «εγκαταστάσεις κατάρτισης». Έτσι, ένα τσιγάρο στο κρανίο σίγουρα θα είχε στρέψει τους πρώην δασκάλους του Βαν Γκογκ.
Πάμπλο Πικάσο, "Γυναίκα με τσιγάρο"
Ο πίνακας δημιουργήθηκε το 1901. Η μελαγχολική διάθεση του έργου εκείνης της περιόδου συνδέεται με τη δύσκολη κατάσταση του καλλιτέχνη: ο στενός φίλος του Carlos Casagemas πέθανε πρόσφατα. Σύμφωνα με κριτικούς της τέχνης, ένα τσιγάρο στο χέρι μιας κυρίας συμβολίζει τη ζωή, η οποία είτε σιγοκαίει είτε φουσκώνει από μια ριπή ανέμου. Και μετά βγαίνει εντελώς.
Edouard Manet, "Τσιγγάνα με τσιγάρο"
Αυτό το έργο του ιδρυτή του ιμπρεσιονισμού έκανε ένα είδος φήμης το 1862. Το γεγονός είναι ότι οι σύγχρονοι του Μανέτ αναγνώρισαν εύκολα την εικόνα ενός πρωταρχικού, ξηρού και ενάρετου υπηρέτη σε μια τσιγγάνα. Έτσι, το τσιγάρο στα χείλη της γίνεται σύμβολο ελευθερίας: με κάθε σχέδιο καίει και κρύβει την ευχαρίστηση και τον κίνδυνο ταυτόχρονα.
Pyotr Zabolotsky, "Κορίτσι με ένα τσιγάρο"
Το καλύτερο από όλα, ο Pyotr Zabolotsky δημιούργησε αληθινά πορτρέτα. Το 1830, όταν ο καλλιτέχνης ήταν στην κορυφή των δημιουργικών του δυνάμεων, δημιουργήθηκε μόνο ένα από αυτά τα πορτρέτα - "Κορίτσι με ένα τσιγάρο". Ένα τσιγάρο στο ένα χέρι και ένα ελαφρύ ταίριασμα στο άλλο τονίζουν την αίσθηση της αγνότητας και της αφέλειας του μοντέλου, και επίσης δίνουν στην εικόνα μια επιπόλαια διάθεση.
Σαλβαδόρ Ντάλι, "Αυτοπροσωπογραφία"
Αυτό είναι το πρώτο αυτοπροσωπογραφία του Σαλβαδόρ Ντάλι, που ζωγράφισε το 1921, σε ηλικία 17 ετών: ένας ζοφερός νεαρός άνδρας με σωλήνα στο στόμα του μοιάζει περιφρονητικά στον ώμο του. Η αίσθηση ότι τώρα θα αναπνέει καπνό στο πρόσωπο του θεατή, καθιστώντας έτσι σαφές πόσο ψηλότερα είναι από το απρόσωπο πλήθος.
Pyotr Konchalovsky, "Πορτρέτο του V. E. Meyerhold"
Οι εργασίες για τη ζωγραφική ξεκίνησαν το 1938, όταν ο Meyerhold είχε ήδη χάσει την εξουσία. Παρά την φαινομενική χαρά της εικόνας - τα πολύχρωμα χρώματα και τα περίπλοκα μοτίβα του χαλιού - δημιουργεί μια ανήσυχη διάθεση στον θεατή. Σύμφωνα με ορισμένους κριτικούς της τέχνης, η εικόνα υποτίθεται ότι μεταδίδει την ένταση της πνευματικής διαδικασίας. Ποια είναι η διαδικασία σκέψης χωρίς τσιγάρο;
Max Beckmann, "Αυτοπροσωπογραφία με τη μορφή ιατρού"
Ένας από τους καλύτερους γερμανούς ζωγράφους πορτρέτου του 20ού αιώνα ζωγράφισε το πρώτο του αυτοπροσωπογραφία σε ηλικία 13 ετών. Και σε αυτό το αυτοπροσωπογραφία, που δημιουργήθηκε το 1915, ο Beckman είναι ήδη 31 ετών. "Η αυτοπροσωπογραφία με τη μορφή ιατρού" εμφανίστηκε αμέσως μετά την αποστράτευση του καλλιτέχνη από το μέτωπο. Η ψυχή του Μπέκμαν έσπασε από τον πόλεμο. Φυσικά, κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου δεν χώρισε με ένα τσιγάρο.
Edvard Munch, "Αυτοπροσωπογραφία με ένα τσιγάρο αναμμένο"
Ένας από τους πιο καταθλιπτικούς ζωγράφους στην ιστορία έδωσε έμπνευση για τους σκοτεινούς πίνακες του από τη δική του βιογραφία. Η ζωή τον έριξε ένα τεστ μετά το άλλο: η σαδιστική θρησκευτικότητα του πατέρα του, ο θάνατος μιας αδελφής, η ασθένεια της σχιζοφρένειας σε μια άλλη, η δική του ψυχική διαταραχή, η νύφη, που τον απείλησε συνέχεια με αυτοκτονία ... Γενικά, ο Μουντ είχε αρκετά προβλήματα. Δεν υπάρχει αμφιβολία ότι καπνίζει. Ακόμα και στο δικό του αυτοπροσωπογραφία το 1895.
Κείμενο: Andrey Belokon
